Música eletrônica -
Electronic music

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. com computadores foi demonstrada pela primeira vez na mesma década. . A música eletrônica pop é mais reconhecível em sua forma 4/4 e mais conectada com o mainstream do que as formas anteriores que eram populares em nichos de mercado.

Origens: final do século 19 ao início do século 20

Primeira página da Scientific American em 1907, demonstrando o tamanho, operação e popularidade do Telharmonium

Na virada do século 20, a experimentação com a eletrônica emergente levou aos primeiros instrumentos musicais eletrônicos . Essas invenções iniciais não foram vendidas, mas foram usadas em demonstrações e apresentações públicas. O público foi presenteado com reproduções de músicas existentes em vez de novas composições para os instrumentos. Enquanto alguns eram considerados novidades e produziam timbres simples, o Telharmonium sintetizava o som de vários instrumentos orquestrais com razoável precisão. Atingiu o interesse público viável e fez progressos comerciais em streaming de música através de redes telefônicas .

Os críticos das convenções musicais da época viram promessas nesses desenvolvimentos. Ferruccio Busoni incentivou a composição de música microtonal permitida por instrumentos eletrônicos. Ele previu o uso de máquinas na música futura, escrevendo o influente Sketch of a New Esthetic of Music (1907). Futuristas como Francesco Balilla Pratella e Luigi Russolo começaram a compor músicas com ruído acústico para evocar o som das máquinas . Eles previram expansões no timbre permitidas pela eletrônica no influente manifesto The Art of Noises (1913).

Composições iniciais

Leon Theremin demonstrando o theremin em 1927

Os desenvolvimentos do tubo de vácuo levaram a instrumentos eletrônicos menores, amplificados e mais práticos para o desempenho. Em particular, o theremin , ondes Martenot e trautonium foram produzidos comercialmente no início dos anos 1930.

A partir do final da década de 1920, o aumento da praticidade dos instrumentos eletrônicos influenciou compositores como Joseph Schillinger a adotá-los. Eles eram normalmente usados ​​em orquestras , e a maioria dos compositores escrevia partes para o theremin que, de outra forma, poderiam ser executadas com instrumentos de cordas .

acústico .

Gravando experimentos

Os desenvolvimentos na tecnologia de gravação inicial foram paralelos aos dos instrumentos eletrônicos. O primeiro meio de gravação e reprodução de áudio foi inventado no final do século 19 com o fonógrafo mecânico . Os toca-discos se tornaram um item doméstico comum e, na década de 1920, os compositores os usavam para tocar gravações curtas em apresentações.

A introdução da gravação elétrica em 1925 foi seguida por um aumento da experimentação com toca-discos. Paul Hindemith e Ernst Toch compuseram várias peças em 1930 por camadas de gravações de instrumentos e vocais em velocidades ajustadas. Influenciado por essas técnicas, John Cage compôs Imaginary Landscape No. 1 em 1939 ajustando as velocidades dos tons gravados.

Simultaneamente, os compositores começaram a experimentar a tecnologia de som em filme recém-desenvolvida . As gravações podiam ser unidas para criar colagens sonoras , como as de Tristan Tzara , Kurt Schwitters , Filippo Tommaso Marinetti , Walter Ruttmann e Dziga Vertov . Além disso, a tecnologia permitiu que o som fosse criado e modificado graficamente . Essas técnicas foram usadas para compor trilhas sonoras para diversos filmes na Alemanha e na Rússia, além do popular Dr. Jekyll e Mr. Hyde nos Estados Unidos. Experimentos com som gráfico foram continuados por Norman McLaren a partir do final dos anos 1930.

Desenvolvimento: 1940 a 1950

Música de fita eletroacústica

. Embora esses desenvolvimentos tenham sido inicialmente confinados à Alemanha, gravadores e fitas foram trazidos para os Estados Unidos após o fim da Segunda Guerra Mundial. Estes foram a base para o primeiro gravador de fita produzido comercialmente em 1948.

Em 1944, antes do uso da fita magnética para fins de composição, o compositor egípcio Halim El-Dabh , enquanto ainda era estudante no Cairo , usou um pesado gravador de fio para gravar sons de uma antiga cerimônia de zaar . Usando instalações nos estúdios de rádio do Oriente Médio, El-Dabh processou o material gravado usando reverberação, eco, controles de tensão e regravação. O que resultou acredita-se ser a primeira composição de música em fita. O trabalho resultante foi intitulado The Expression of Zaar e foi apresentado em 1944 em um evento de galeria de arte no Cairo. Embora seus experimentos iniciais em composição baseada em fita não fossem amplamente conhecidos fora do Egito na época, El-Dabh também é conhecido por seu trabalho posterior em música eletrônica no Columbia-Princeton Electronic Music Center no final dos anos 1950.

Música concreta

Phonogene (1953), uma máquina de fita para modificar a estrutura do som, desenvolvida por Pierre Schaeffer et al. na GRMC
Pierre Schaeffer apresentando o Acousmonium (1974) que consistia em 80 alto-falantes para reprodução de fita, no GRM

Após seu trabalho com o Studio d'Essai na Radiodiffusion Française (RDF), durante o início da década de 1940, Pierre Schaeffer é creditado por originar a teoria e a prática da musique concrète. No final da década de 1940, os primeiros experimentos de composição baseada em som usando toca- discos goma -laca foram conduzidos pela primeira vez por Schaeffer. Em 1950, as técnicas de musique concreto foram expandidas quando máquinas de fita magnética foram usadas para explorar práticas de manipulação de som, como variação de velocidade ( pitch shift ) e emenda de fita .

Em 5 de outubro de 1948, a RDF transmitiu o Etude aux chemins de fer de Schaeffer . Este foi o primeiro " movimento " de Cinq études de bruits , e marcou o início das realizações de estúdio e musique concrète (ou arte acusmática). Schaeffer empregou um torno de corte de disco , quatro toca-discos, um mixer de quatro canais, filtros, uma câmara de eco e uma unidade de gravação móvel. Pouco tempo depois, Pierre Henry começou a colaborar com Schaeffer, uma parceria que teria efeitos profundos e duradouros na direção da música eletrônica. Outro associado de Schaeffer, Edgard Varèse , começou a trabalhar em Déserts , um trabalho para orquestra de câmara e fita. As partes da fita foram criadas no estúdio de Pierre Schaeffer e posteriormente revisadas na Universidade de Columbia.

Em 1950, Schaeffer deu o primeiro concerto público (sem transmissão) de música concreta na École Normale de Musique de Paris . "Schaeffer usou um sistema de PA , vários toca-discos e mixers. A performance não foi boa, pois a criação de montagens ao vivo com toca-discos nunca havia sido feita antes." Mais tarde naquele mesmo ano, Pierre Henry colaborou com Schaeffer em Symphonie pour un homme seul (1950), a primeira grande obra de música concreta. Em Paris, em 1951, no que se tornaria uma importante tendência mundial, a RTF estabeleceu o primeiro estúdio para a produção de música eletrônica. Também em 1951, Schaeffer e Henry produziram uma ópera, Orfeu , para sons e vozes concretas.

Em 1951, o trabalho de Schaeffer, o compositor- percussionista Pierre Henry e o engenheiro de som Jacques Poullin receberam reconhecimento oficial e o Groupe de Recherches de Musique Concrète , Club d'Essai de la Radiodiffusion-Télévision Française foi estabelecido na RTF em Paris, o ancestral da ORTF .

Música eletrônica

Karlheinz Stockhausen no Electronic Music Studio de WDR, Colônia, em 1991
Cologne .

1954 viu o advento do que agora seria considerado autênticas composições elétricas e acústicas – instrumentação acústica aumentada/acompanhada por gravações de som manipulado ou gerado eletronicamente. Três grandes obras foram estreadas naquele ano: Déserts de Varèse , para conjunto de câmara e sons de fita, e duas obras de Otto Luening e Vladimir Ussachevsky : Variações Rapsódicas para a Sinfonia de Louisville e Um Poema em Ciclos e Sinos , ambos para orquestra e fita. Por estar trabalhando no estúdio de Schaeffer, a parte da fita para o trabalho de Varèse contém sons muito mais concretos do que eletrônicos. "Um grupo formado por instrumentos de sopro, percussão e piano alternam-se com os sons mutantes de ruídos de fábricas e sirenes e motores de navios, vindos de dois alto-falantes."

Na estreia alemã de Desertos em Hamburgo, que foi conduzida por Bruno Maderna , os controles de fita foram operados por Karlheinz Stockhausen. O título Desertos sugeria a Varèse não apenas "todos os desertos físicos (de areia, mar, neve, do espaço sideral, de ruas vazias), mas também os desertos na mente do homem; não apenas aqueles aspectos despojados da natureza que sugerem nudez, distanciamento, atemporalidade, mas também aquele remoto espaço interior que nenhum telescópio pode alcançar, onde o homem está sozinho, um mundo de mistério e solidão essencial."

Em Colônia, o que se tornaria o estúdio de música eletrônica mais famoso do mundo, foi inaugurado oficialmente nos estúdios de rádio da NWDR em 1953, embora estivesse em fase de planejamento já em 1950 e as primeiras composições foram feitas e transmitidas em 1951 A ideia de Werner Meyer-Eppler , Robert Beyer e Herbert Eimert (que se tornou seu primeiro diretor), logo se juntou ao estúdio Karlheinz Stockhausen e Gottfried Michael Koenig . Em sua tese de 1949 Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache , Meyer-Eppler concebeu a ideia de sintetizar música inteiramente a partir de sinais produzidos eletronicamente; desta forma, a elektronische Musik foi nitidamente diferenciada da musique concrète francesa , que usava sons gravados de fontes acústicas.

Em 1953, Stockhausen compôs seu Studie I , seguido em 1954 por Elektronische Studie II — a primeira peça eletrônica a ser publicada como partitura. Em 1955, começaram a surgir estúdios mais experimentais e eletrônicos. Notáveis ​​foram a criação do Studio di fonologia musicale di Radio Milano , um estúdio na NHK em Tóquio fundado por Toshiro Mayuzumi , e o estúdio Philips em Eindhoven , Holanda, que se mudou para a Universidade de Utrecht como Instituto de Sonologia em 1960 .

(2007).

música eletrônica japonesa

Yamaha Magna Organ e o gabinete de tom designado (1935)

O primeiro grupo de instrumentos musicais eletrônicos no Japão, o Yamaha Magna Organ foi construído em 1935. No entanto, após a Segunda Guerra Mundial, compositores japoneses como Minao Shibata sabiam do desenvolvimento de instrumentos musicais eletrônicos. No final da década de 1940, os compositores japoneses começaram a experimentar a música eletrônica e o patrocínio institucional permitiu-lhes experimentar equipamentos avançados. Sua infusão de música asiática no gênero emergente acabaria por apoiar a popularidade do Japão no desenvolvimento da tecnologia musical várias décadas depois.

Após a fundação da empresa de eletrônicos Sony em 1946, os compositores Toru Takemitsu e Minao Shibata exploraram independentemente possíveis usos da tecnologia eletrônica para produzir música. Takemitsu tinha idéias semelhantes à musique concrète , que ele desconhecia, enquanto Shibata previu o desenvolvimento de sintetizadores e previu uma mudança drástica na música. A Sony começou a produzir gravadores de fita magnética populares para uso público e governamental.

entre 1952 e 1953.

de 1951 "Concerto da Câmera", na organização de sons eletrônicos em "X, Y, Z for Musique Concrète" de Mayuzumi , e mais tarde na música eletrônica de Shibata em 1956. de 20 minutos de Shibata "Musique Concrète for Stereophonic Broadcast".

música eletrônica americana

Nos Estados Unidos, a música eletrônica estava sendo criada já em 1939, quando John Cage publicou Imaginary Landscape, No. 1 , usando dois toca-discos de velocidade variável, gravações de frequência, piano mudo e pratos, mas sem meios eletrônicos de produção. Cage compôs mais cinco "Paisagens Imaginárias" entre 1942 e 1952 (uma retirada), principalmente para conjunto de percussão, embora o nº 4 seja para doze rádios e o nº 5, escrito em 1952, use 42 gravações e seja realizado como um fita. De acordo com Otto Luening, Cage também realizou um William [ sic ] Mix em Donaueschingen em 1954, usando oito alto-falantes, três anos após sua suposta colaboração. Williams Mix foi um sucesso no Donaueschingen Festival , onde causou uma "forte impressão".

O Music for Magnetic Tape Project foi formado por membros da New York School ( John Cage , Earle Brown , Christian Wolff , David Tudor e Morton Feldman ), e durou três anos até 1954. Cage escreveu sobre essa colaboração: escuridão, portanto, o trabalho de Earle Brown, Morton Feldman e Christian Wolff continua a apresentar uma luz brilhante, porque nos vários pontos de notação, performance e audição, a ação é provocativa.

Cage completou Williams Mix em 1953 enquanto trabalhava com o Music for Magnetic Tape Project. O grupo não tinha instalações permanentes, e teve que contar com tempo emprestado em estúdios de som comerciais, incluindo o estúdio de Louis e Bebe Barron .

Centro Columbia-Princeton

No mesmo ano, a Columbia University comprou seu primeiro gravador - uma máquina Ampex profissional - para gravar shows. Vladimir Ussachevsky, que estava na faculdade de música da Universidade de Columbia, foi encarregado do dispositivo e quase imediatamente começou a experimentá-lo.

Herbert Russcol escreve: "Logo ele ficou intrigado com as novas sonoridades que poderia alcançar gravando instrumentos musicais e depois sobrepondo-os uns aos outros". Ussachevsky disse mais tarde: "De repente percebi que o gravador poderia ser tratado como um instrumento de transformação do som". Na quinta-feira, 8 de maio de 1952, Ussachevsky apresentou várias demonstrações de música/efeitos em fita que ele criou em seu Composers Forum, no McMillin Theatre da Columbia University. Estes incluíram Transposição, Reverberação, Experimento, Composição e Válvula Subaquática . Em uma entrevista, ele afirmou: "Apresentei alguns exemplos de minha descoberta em um concerto público em Nova York junto com outras composições que havia escrito para instrumentos convencionais". Otto Luening, que havia assistido a este concerto, comentou: "O equipamento à sua disposição consistia de um gravador Ampex... reverberação mecânica. Outros equipamentos foram emprestados ou adquiridos com recursos próprios."

Apenas três meses depois, em agosto de 1952, Ussachevsky viajou para Bennington, Vermont, a convite de Luening para apresentar seus experimentos. Lá, os dois colaboraram em várias peças. Luening descreveu o evento: "Equipado com fones de ouvido e uma flauta, comecei a desenvolver minha primeira composição de gravador. Ambos éramos improvisadores fluentes e o meio atiçou nossa imaginação". Eles tocaram algumas peças iniciais informalmente em uma festa, onde "vários compositores nos parabenizaram quase solenemente dizendo: 'É isso' ('isso' significando a música do futuro)".

A notícia rapidamente chegou à cidade de Nova York. Oliver Daniel telefonou e convidou a dupla para "produzir um grupo de composições curtas para o concerto de outubro patrocinado pela American Composers Alliance e Broadcast Music, Inc., sob a direção de Leopold Stokowski no Museu de Arte Moderna de Nova York. Hesitação, concordamos... Henry Cowell colocou sua casa e estúdio em Woodstock, Nova York, à nossa disposição. Com o equipamento emprestado na traseira do carro de Ussachevsky, deixamos Bennington para Woodstock e ficamos duas semanas... Em No final de setembro de 1952, o laboratório itinerante chegou à sala de estar de Ussachevsky em Nova York, onde finalmente completamos as composições."

Dois meses depois, em 28 de outubro, Vladimir Ussachevsky e Otto Luening apresentaram o primeiro concerto de Tape Music nos Estados Unidos. O concerto incluiu Fantasy in Space (1952) de Luening - "uma peça impressionista virtuosa " usando gravações manipuladas de flauta - e Low Speed (1952), uma "composição exótica que levou a flauta muito abaixo de seu alcance natural". Ambas as peças foram criadas na casa de Henry Cowell em Woodstock, Nova York. Depois que vários shows causaram sensação na cidade de Nova York, Ussachevsky e Luening foram convidados para uma transmissão ao vivo do Today Show da NBC para fazer uma demonstração de entrevista - a primeira apresentação eletroacústica televisionada. Luening descreveu o evento: "Eu improvisei algumas seqüências [de flauta] para o gravador. Ussachevsky então e ali as colocou em transformações eletrônicas".

A partitura de Forbidden Planet , de Louis e Bebe Barron , foi inteiramente composta usando circuitos eletrônicos e gravadores personalizados em 1956 (mas sem sintetizadores no sentido moderno da palavra).

Austrália

CSIRAC, o primeiro computador digital da Austrália, exibido no Museu de Melbourne

O primeiro computador do mundo a tocar música foi o CSIRAC , que foi projetado e construído por Trevor Pearcey e Maston Beard. O matemático Geoff Hill programou o CSIRAC para tocar melodias musicais populares desde o início dos anos 1950. Em 1951 tocou publicamente a Marcha do Coronel Bogey , da qual não existem gravações conhecidas, apenas a reconstrução precisa. No entanto, o CSIRAC tocava repertório padrão e não era usado para estender o pensamento musical ou a prática de composição. CSIRAC nunca foi gravado, mas a música tocada foi reconstruída com precisão. As gravações mais antigas conhecidas de música gerada por computador foram tocadas pelo computador Ferranti Mark 1 , uma versão comercial do Baby Machine da Universidade de Manchester no outono de 1951. O programa de música foi escrito por Christopher Strachey .

meados dos anos 1950

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Em 1957, Kid Baltan ( Dick Raaymakers ) e Tom Dissevelt lançaram seu álbum de estreia, Song Of The Second Moon , gravado no estúdio Philips na Holanda. O público permaneceu interessado nos novos sons que estão sendo criados em todo o mundo, como pode ser deduzido pela inclusão do Poème électronique de Varèse , que foi tocado em mais de quatrocentos alto-falantes no Pavilhão Philips da Feira Mundial de Bruxelas de 1958 . Nesse mesmo ano, Mauricio Kagel , compositor argentino , compôs Transição II . O trabalho foi realizado no estúdio WDR em Colônia. Dois músicos tocaram ao piano, um da maneira tradicional, o outro tocando nas cordas, moldura e caixa. Dois outros artistas usaram fitas para unir a apresentação de sons ao vivo com o futuro de materiais pré-gravados posteriormente e seu passado de gravações feitas no início da performance.

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Após o surgimento de diferenças dentro do GRMC (Groupe de Recherche de Musique Concrète), Pierre Henry, Philippe Arthuys e vários de seus colegas renunciaram em abril de 1958. Schaeffer criou um novo coletivo, chamado Groupe de Recherches Musicales (GRM) e começou a recrutando novos membros, incluindo Luc Ferrari , Beatriz Ferreyra , François-Bernard Mâche , Iannis Xenakis , Bernard Parmegiani e Mireille Chamass-Kyrou. As chegadas posteriores incluíram Ivo Malec , Philippe Carson, Romuald Vandelle, Edgardo Canton e François Bayle .

Expansão: 1960

Esses foram anos férteis para a música eletrônica – não apenas para a academia, mas para artistas independentes, à medida que a tecnologia de sintetizadores se tornava mais acessível. Por esta altura, uma forte comunidade de compositores e músicos trabalhando com novos sons e instrumentos foi estabelecida e crescente. 1960 testemunhou a composição de Gárgulas de Luening para violino e fita, bem como a estréia de Kontakte de Stockhausen para sons eletrônicos, piano e percussão. Esta peça existia em duas versões - uma para fita de 4 canais e outra para fita com intérpretes humanos. "Em Kontakte , Stockhausen abandonou a forma musical tradicional baseada no desenvolvimento linear e clímax dramático. Essa nova abordagem, que ele chamou de 'forma de momento', lembra as técnicas de 'junção cinematográfica' no filme do início do século XX."

).

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Em 1961 Josef Tal estabeleceu o Centro de Música Eletrônica em Israel na Universidade Hebraica , e em 1962 Hugh Le Caine chegou a Jerusalém para instalar seu Creative Tape Recorder no centro. Na década de 1990, Tal conduziu, juntamente com o Dr. Shlomo Markel, em cooperação com o Technion – Instituto de Tecnologia de Israel e VolkswagenStiftung, um projeto de pesquisa (Talmark) visando o desenvolvimento de um novo sistema de notação musical para música eletrônica.

Milton Babbitt compôs seu primeiro trabalho eletrônico usando o sintetizador - sua composição para sintetizador (1961) - que ele criou usando o sintetizador RCA no Columbia-Princeton Electronic Music Center.

Para Babbitt, o sintetizador RCA foi um sonho realizado por três razões. Primeiro, a capacidade de identificar e controlar cada elemento musical com precisão. Em segundo lugar, o tempo necessário para realizar suas elaboradas estruturas seriais foram trazidos ao alcance prático. Terceiro, a questão não era mais "Quais são os limites do performer humano?" mas sim "Quais são os limites da audição humana?"

As colaborações também ocorreram em oceanos e continentes. Em 1961, Ussachevsky convidou Varèse para o Columbia-Princeton Studio (CPEMC). Na chegada, Varese embarcou em uma revisão de Desertos . Ele foi assistido por Mario Davidovsky e Bülent Arel .

A intensa atividade que ocorre no CPEMC e em outros lugares inspirou o estabelecimento do San Francisco Tape Music Center em 1963 por Morton Subotnick , com membros adicionais Pauline Oliveros , Ramon Sender , Anthony Martin e Terry Riley .

Mais tarde, o Centro mudou-se para o Mills College , dirigido por Pauline Oliveros , onde hoje é conhecido como Centro de Música Contemporânea.

] , atualmente ativa em San Francisco." Através de programas semanais (mais de 4.500 em 40 anos), Shaff "esculpe" o som, realizando trabalhos espaciais agora digitalizados ao vivo através de 176 alto-falantes. , que desencadeou uma mania por música de sintetizador.

Em 1969 , David Tudor trouxe um sintetizador modular Moog e máquinas de fita Ampex para o Instituto Nacional de Design em Ahmedabad com o apoio da família Sarabhai , formando a base do primeiro estúdio de música eletrônica da Índia. Aqui um grupo de compositores Jinraj Joshipura, Gita Sarabhai, SC Sharma, IS Mathur e Atul Desai desenvolveram composições sonoras experimentais entre 1969 e 1973

Junto com o sintetizador modular Moog, outras marcas desse período incluíam ARP e Buchla.

Pietro Grossi foi um pioneiro italiano da composição por computador e da música em fita, que experimentou pela primeira vez as técnicas eletrônicas no início dos anos sessenta. Grossi foi violoncelista e compositor, nascido em Veneza em 1917. Fundou o S 2F M (Studio de Fonologia Musicale di Firenze) em 1963 para experimentar som e composição eletrônica.

Música de computador

As melodias musicais foram geradas pela primeira vez pelo computador CSIRAC na Austrália em 1950. Houve relatos de jornais da América e da Inglaterra (antes e recentemente) de que os computadores podem ter tocado música antes, mas pesquisas completas desmentiram essas histórias, pois não há evidências para apoiar a reportagens de jornais (alguns dos quais eram obviamente especulativos). A pesquisa mostrou que as pessoas especulavam sobre computadores tocando música, possivelmente porque os computadores fariam barulho, mas não há evidências de que eles realmente o fizessem.

O primeiro computador do mundo a tocar música foi o CSIRAC , projetado e construído por Trevor Pearcey e Maston Beard na década de 1950. O matemático Geoff Hill programou o CSIRAC para tocar melodias musicais populares desde o início dos anos 1950. Em 1951 tocou publicamente a " Coronel Bogey March " da qual não existem gravações conhecidas. No entanto, o CSIRAC tocava repertório padrão e não era usado para estender o pensamento musical ou a prática de composição que é a prática atual da música por computador.

A primeira música a ser tocada na Inglaterra foi uma apresentação do Hino Nacional Britânico que foi programado por Christopher Strachey no Ferranti Mark I, no final de 1951. Mais tarde naquele ano, trechos curtos de três peças foram gravados lá por uma unidade de transmissão externa da BBC : o Hino Nacional, " Ba, Ba Black Sheep " e " In the Mood " e esta é reconhecida como a primeira gravação de um computador para tocar música. Esta gravação pode ser ouvida neste site da Universidade de Manchester . Pesquisadores da Universidade de Canterbury , Christchurch desclicou e restauraram esta gravação em 2016 e os resultados podem ser ouvidos no SoundCloud .

O final dos anos 1950, 1960 e 1970 também viu o desenvolvimento de grandes sínteses de computadores mainframe. A partir de 1957, Max Mathews do Bell Labs desenvolveu os programas MUSIC, culminando no MUSIC V , uma linguagem de síntese digital direta.

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Música estocástica

Um novo desenvolvimento importante foi o advento dos computadores para compor música, em vez de manipular ou criar sons. Iannis Xenakis começou o que é chamado de musique stochastique , ou música estocástica , que é um método de composição que usa sistemas matemáticos de probabilidade. Diferentes algoritmos de probabilidade foram usados ​​para criar uma peça sob um conjunto de parâmetros. Xenakis usou computadores para compor peças como ST/4 para quarteto de cordas e ST/48 para orquestra (ambos de 1962), Morsima-Amorsima , ST/10 e Atrées . Desenvolveu o sistema informático UPIC para traduzir imagens gráficas em resultados musicais e com ele compôs Mycènes Alpha (1978).

Eletrônicos ao vivo

para coro, órgão Hammond e moduladores de anel.

] de

A arte performática e carreira musical de Cosey Fanni Tutti explorou o conceito de música 'aceitável' e ela passou a explorar o uso do som como meio de desejo ou desconforto.

Wendy Carlos executou seleções de seu álbum Switched-On Bach no palco com um sintetizador com a Orquestra Sinfônica de St. Louis ; outra apresentação ao vivo foi com Kurzweil Baroque Ensemble para "Bach at the Beacon" em 1997.

Em junho de 2018, Suzanne Ciani lançou LIVE Quadraphonic , um álbum ao vivo documentando sua primeira apresentação solo em um sintetizador Buchla em 40 anos. Foi um dos primeiros lançamentos de vinil quadrafônicos em mais de 30 anos.

instrumentos japoneses

Primeiro órgão eletrônico : Yamaha Electone D-1 (1959)
1964, ele o revelou como o R-1 Rhythm Ace, um dispositivo de percussão operado manualmente que tocava sons de bateria eletrônica manualmente enquanto o usuário pressionava botões, de forma semelhante aos modernos pads de bateria eletrônica.

Antiga bateria eletrônica : Korg Donca Matic DA-20 (1963)
" de bateria .

e faria mais para moldar a música eletrônica popular do que qualquer outra empresa.
Gira-discos de acionamento direto :
Technics SL-1200
(introduzido em 1972)

Turntablism tem origens na invenção de toca-discos de acionamento direto . Os primeiros toca-discos acionados por correia não eram adequados para o turntablism, pois tinham um tempo de inicialização lento e eram propensos a desgaste e quebra, pois a correia se quebrava por rotação ou arranhões. O primeiro toca-discos de acionamento direto foi inventado por Shuichi Obata, engenheiro da Matsushita (agora Panasonic ), com sede em Osaka , Japão . Eliminou os cintos e, em vez disso, empregou um motor para acionar diretamente um prato no qual um disco de vinil repousa. Em 1969, a Matsushita lançou-o como SP-10 , o primeiro toca-discos de acionamento direto no mercado e o primeiro de sua influente série de toca-discos Technics . Foi sucedido pelos Technics SL-1100 e SL-1200 no início dos anos 1970, e foram amplamente adotados por músicos de hip hop , com o SL-1200 permanecendo o toca-discos mais usado na cultura DJ por várias décadas.

música dub jamaicana

e a mixagem e o scratch do vinil.

Apesar do equipamento eletrônico limitado disponível para pioneiros do dub como King Tubby e Lee "Scratch" Perry, seus experimentos na cultura do remix eram musicalmente de ponta. King Tubby, por exemplo, era proprietário de um sistema de som e técnico de eletrônica, cujo pequeno estúdio na sala de frente no gueto de Waterhouse, no oeste de Kingston , era um local importante para a criação de dub music.

Final dos anos 1960 ao início dos anos 1980

No final da década de 1960, músicos de pop e rock , incluindo os Beach Boys e os Beatles , começaram a usar instrumentos eletrônicos, como o theremin e o Mellotron , para complementar e definir seu som. Em seu livro Electronic and Experimental Music , Thom Holmes reconhece a gravação dos Beatles de 1966 " Tomorrow Never Knows " como a música que "inaugurava uma nova era no uso da música eletrônica no rock e na música pop" devido à incorporação da fita pela banda loops e sons de fita invertidos e manipulados em velocidade. Também no final da década de 1960, a dupla de música Silver Apples e bandas de rock experimental como White Noise e os Estados Unidos da América , são considerados pioneiros dos gêneros rock eletrônico e eletrônico por seu trabalho na fusão de rock psicodélico com osciladores e sintetizadores.

nos anos seguintes).

Keith Emerson se apresentando em São Petersburgo em 2008

No final da década de 1960, o sintetizador Moog assumiu um lugar de liderança no som do rock progressivo emergente com bandas como Pink Floyd , Yes , Emerson, Lake & Palmer e Genesis , tornando-os parte de seu som. O rock progressivo instrumental foi particularmente significativo na Europa continental, permitindo bandas como Kraftwerk , Tangerine Dream , Can , Neu! , e Faust para contornar a barreira do idioma. Seu " krautrock " pesado em sintetizadores , junto com o trabalho de Brian Eno (por um tempo o tecladista do Roxy Music ), seria uma grande influência no rock eletrônico subsequente .

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A música dub influenciou as técnicas musicais eletrônicas mais tarde adotadas pela música hip hop quando o imigrante jamaicano DJ Kool Herc no início dos anos 1970 introduziu a cultura do sistema de som da Jamaica e as técnicas de música dub para a América. Uma dessas técnicas que se tornou popular na cultura hip hop foi tocar duas cópias do mesmo disco em dois toca-discos alternadamente, estendendo a seção favorita dos b-dancers . O toca-discos acabou se tornando o instrumento musical eletrônico mais visível, e ocasionalmente o mais virtuoso , nas décadas de 1980 e 1990.

de 1977 .

Nesta época, o som de músicos de rock como Mike Oldfield e The Alan Parsons Project (que é creditado como a primeira música de rock a apresentar um vocoder digital em 1975, The Raven ) costumava ser arranjado e misturado com efeitos eletrônicos e/ou música como bem, que se tornou muito mais proeminente em meados da década de 1980. Jeff Wayne alcançou um sucesso duradouro com sua versão musical de rock eletrônico de 1978 de The War of the Worlds .

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Após a chegada do punk rock , surgiu uma forma de rock eletrônico básico, cada vez mais usando novas tecnologias digitais para substituir outros instrumentos. A dupla americana Suicide , que surgiu da cena punk em Nova York, utilizou baterias eletrônicas e sintetizadores em um híbrido entre eletrônica e punk em seu álbum homônimo de 1977 .

Bandas pioneiras do synth-pop que fizeram sucesso por anos incluíram Ultravox com sua faixa de 1977 "Hiroshima Mon Amour" no Ha!-Ha!-Ha! , Yellow Magic Orchestra com seu álbum auto-intitulado (1978), The Buggles com seu proeminente single de estréia de 1979 Video Killed the Radio Star , Gary Numan com seu álbum de estréia solo The Pleasure Principle e single Cars em 1979, Orchestral Maneuvers in the Dark com seu single de 1979 Electricity apresentado em seu álbum de estreia homônimo , Depeche Mode com seu primeiro single Dreaming of Me gravado em 1980 e lançado em 1981 álbum Speak & Spell , A Flock of Seagulls com seu single de 1981 Talking , New Order with Ceremony em 1981, e The Human League com seu hit de 1981 Don't You Want Me de seu terceiro álbum Dare .

New Order se apresentando no Chile em 2019

A definição de MIDI e o desenvolvimento do áudio digital facilitaram muito o desenvolvimento de sons puramente eletrônicos, com engenheiros de áudio , produtores e compositores explorando com frequência as possibilidades de praticamente todos os novos modelos de equipamentos de som eletrônicos lançados pelos fabricantes. O synth-pop às vezes usava sintetizadores para substituir todos os outros instrumentos, mas era mais comum que as bandas tivessem um ou mais tecladistas em suas formações junto com guitarristas, baixistas e/ou bateristas. Esses desenvolvimentos levaram ao crescimento do synth-pop, que depois de adotado pelo movimento New Romantic , permitiu que os sintetizadores dominassem a música pop e rock do início dos anos 1980 até que o estilo começou a cair de popularidade no meio-para-fim. da década. Juntamente com os pioneiros de sucesso mencionados acima, os principais atos incluíram Yazoo , Duran Duran , Spandau Ballet , Culture Club , Talk Talk , Japan e Eurythmics .

O synth-pop foi adotado em todo o mundo, com sucessos internacionais para artistas como Men Without Hats , Trans-X and Lime do Canadá, Telex da Bélgica, Peter Schilling , Sandra , Modern Talking , Propaganda e Alphaville da Alemanha, Yello da Suíça e Azul y Negro da Espanha. Além disso, o som do sintetizador é uma característica fundamental do Italo-disco .

Algumas bandas de synth-pop criaram estilos visuais futuristas de si mesmos para reforçar a ideia de que sons eletrônicos estavam ligados principalmente à tecnologia, como os americanos Devo e os espanhóis Aviador Dro .

Os sintetizadores de teclado tornaram-se tão comuns que até as bandas de heavy metal rock, um gênero muitas vezes considerado o oposto em estética, som e estilo de vida dos artistas pop eletrônico por fãs de ambos os lados, alcançaram sucesso mundial com temas como 1983 Jump by Van Halen e 1986 The Final Countdown by Europe , que apresenta sintetizadores com destaque.

Proliferação de instituições de pesquisa em música eletrônica

Elektronmusikstudion (EMS), anteriormente conhecido como Electroacoustic Music na Suécia, é o centro nacional sueco de música eletrônica e arte sonora . A organização de pesquisa começou em 1964 e está sediada em Estocolmo.

IRCAM na Place Igor Stravinsky, Paris

STEIM é um centro de pesquisa e desenvolvimento de novos instrumentos musicais nas artes cênicas eletrônicas, localizado em Amsterdã, Holanda. A STEIM existe desde 1969. Foi fundada por Misha Mengelberg , Louis Andriessen , Peter Schat , Dick Raaymakers , Jan van Vlijmen , Reinbert de Leeuw e Konrad Boehmer . Esse grupo de compositores holandeses lutou pela reforma das estruturas musicais feudais de Amsterdã; insistiram na nomeação de Bruno Maderna como diretor musical da Orquestra Concertgebouw e fizeram valer os primeiros financiamentos públicos para música eletrônica experimental e improvisada na Holanda.

(1981) para 24 músicos e 6 solistas usou o 4X para transformar e encaminhar solistas para um sistema de alto-falantes.

Barry Vercoe descreve uma de suas experiências com os primeiros sons de computador:

Sogitec 4X (c. 1983) na sala de máquinas IRCAM em 1989

Sintetizadores de teclado

Sintetizador Mini Moog

Lançado em 1970 pela Moog Music , o Mini-Moog estava entre os primeiros sintetizadores amplamente disponíveis, portáteis e relativamente acessíveis. Tornou-se o sintetizador mais utilizado na época, tanto na música popular quanto na música eletrônica. Patrick Gleeson , tocando ao vivo com Herbie Hancock no início da década de 1970, foi pioneiro no uso de sintetizadores em um contexto de turnê, onde estavam sujeitos a tensões para as quais as primeiras máquinas não foram projetadas.

(1978).

Graças à miniaturização da eletrônica na década de 1970, no início da década de 1980 os sintetizadores de teclado, tornaram-se mais leves e acessíveis, integrando em uma única unidade fina toda a eletrônica de síntese de áudio necessária e o próprio teclado estilo piano, em nítido contraste com o maquinário volumoso e " cabo spaguetty " empregado ao longo dos anos 1960 e 1970. Primeiro, com sintetizadores analógicos, a tendência seguiu com sintetizadores e samplers digitais também (veja abaixo).

Sintetizadores digitais

Em 1975, a empresa japonesa Yamaha licenciou os algoritmos para síntese de modulação de frequência (síntese FM) de John Chowning , que havia experimentado na Universidade de Stanford desde 1971. Os engenheiros da Yamaha começaram a adaptar o algoritmo de Chowning para uso em um sintetizador digital, adicionando melhorias como o método "key scaling" para evitar a introdução de distorção que normalmente ocorria em sistemas analógicos durante a modulação de frequência .

Em 1980, a Yamaha finalmente lançou o primeiro sintetizador digital FM, o Yamaha GS-1, mas a um preço caro. Em 1983, a Yamaha apresentou o primeiro sintetizador digital autônomo, o DX7 , que também usava síntese FM e se tornaria um dos sintetizadores mais vendidos de todos os tempos. O DX7 era conhecido por suas tonalidades brilhantes reconhecíveis, em parte devido a uma taxa de amostragem de 57 kHz.

Yamaha DX7 , um modelo para muitos sintetizadores digitais da década de 1980

O Korg Poly-800 é um sintetizador lançado pela Korg em 1983. Seu preço de tabela inicial de US$ 795 o tornou o primeiro sintetizador totalmente programável vendido por menos de US$ 1.000. Tinha polifonia de 8 vozes com um oscilador controlado digitalmente (DCO) por voz.

. Lançado em novembro de 1984, foi um dos primeiros (se não o primeiro) sintetizador polifônico totalmente programável que estava disponível por menos de US$ 500.

O Roland D-50 é um sintetizador digital produzido pela Roland e lançado em abril de 1987. Seus recursos incluem síntese subtrativa , efeitos integrados, um joystick para manipulação de dados e um design de layout no estilo de síntese analógica. O programador externo Roland PG-1000 (1987–1990) também pode ser conectado ao D-50 para uma manipulação mais complexa de seus sons.

Amostradores

musicais .

Fairlight CMI (1979–)

Antes dos samplers baseados em memória de computador, os músicos usavam teclados de repetição de fita, que armazenam gravações em fita analógica. Quando uma tecla é pressionada, o cabeçote da fita entra em contato com a fita em movimento e reproduz um som. O Mellotron foi o modelo mais notável, usado por muitos grupos no final da década de 1960 e na década de 1970, mas tais sistemas eram caros e pesados ​​devido aos múltiplos mecanismos de fita envolvidos, e o alcance do instrumento era limitado a três oitavas no máximo. Para alterar os sons, um novo conjunto de fitas teve que ser instalado no instrumento. O surgimento do amostrador digital tornou a amostragem muito mais prática.

A primeira amostragem digital foi feita no sistema EMS Musys, desenvolvido por Peter Grogono (software), David Cockerell (hardware e interface) e Peter Zinovieff (design e operação do sistema) em seu estúdio em Londres (Putney) c. 1969.

O primeiro sintetizador de amostragem disponível comercialmente foi o Computer Music Melodian de Harry Mendell (1976).

Lançado pela primeira vez em 1977-78, o Synclavier I usando síntese FM , re-licenciado da Yamaha e vendido principalmente para universidades, provou ser altamente influente entre compositores de música eletrônica e produtores musicais, incluindo Mike Thorne , um dos primeiros a adotar o comercial mundo, devido à sua versatilidade, sua tecnologia de ponta e sons diferenciados.

O primeiro sintetizador de amostragem digital polifônico foi o Fairlight CMI produzido na Austrália , disponível pela primeira vez em 1979. Esses primeiros sintetizadores de amostragem usavam síntese baseada em amostra wavetable .

Nascimento do MIDI

Em 1980, um grupo de músicos e comerciantes de música se reuniram para padronizar uma interface que novos instrumentos pudessem usar para comunicar instruções de controle com outros instrumentos e computadores. Esse padrão foi apelidado de Interface Digital de Instrumentos Musicais ( MIDI ) e resultou de uma colaboração entre os principais fabricantes, inicialmente Sequential Circuits , Oberheim , Roland – e, posteriormente, outros participantes que incluíam Yamaha , Korg e Kawai . Um artigo foi de autoria de Dave Smith da Sequential Circuits e proposto à Audio Engineering Society em 1981. Então, em agosto de 1983, a especificação MIDI 1.0 foi finalizada.

A tecnologia MIDI permite que um único toque de tecla, movimento da roda de controle, movimento do pedal ou comando de um microcomputador ative todos os dispositivos no estúdio remotamente e em sincronia, com cada dispositivo respondendo de acordo com as condições predeterminadas pelo compositor.

Instrumentos e software MIDI tornaram o controle poderoso de instrumentos sofisticados facilmente acessíveis por muitos estúdios e indivíduos. Os sons acústicos foram reintegrados aos estúdios por meio de amostragem e instrumentos baseados em ROMs sampleados.

Miller Puckette desenvolveu um software de processamento de sinal gráfico para 4X chamado Max (depois de Max Mathews ) e depois o portou para Macintosh (com Dave Zicarelli estendendo-o para Opcode ) para controle MIDI em tempo real, trazendo disponibilidade de composição algorítmica para a maioria dos compositores com programação de computador modesta fundo.

Sequenciadores e baterias eletrônicas

. .

Chiptunes

O som lo-fi característico da música de chip foi inicialmente o resultado das limitações técnicas dos chips de som dos primeiros computadores e das placas de som; no entanto, o som desde então tornou-se procurado por si só.

Chips de som populares baratos comuns dos primeiros computadores domésticos da década de 1980 incluem o SID das séries Commodore 64 e General Instrument AY e clones (como o Yamaha YM2149) usados ​​no ZX Spectrum , Amstrad CPC , compatíveis com MSX e modelos Atari ST , entre outros .

Final dos anos 1980 a 1990

Ascensão da música de dança

Synth-pop continuou no final dos anos 1980, com um formato que se aproximou da dance music, incluindo o trabalho de artistas como as duplas britânicas Pet Shop Boys , Erasure e The Communards , alcançando sucesso ao longo de grande parte da década de 1990.

.

Avanços

Outros desenvolvimentos recentes incluíram a composição de Tod Machover (MIT e IRCAM) Begin Again Again para " hipercello ", um sistema interativo de sensores que mede os movimentos físicos do violoncelista. Max Mathews desenvolveu o programa "Conductor" para controle de tempo, dinâmica e timbre em tempo real de uma partitura eletrônica pré-entrada. Morton Subotnick lançou um CD-ROM multimídia All My Hummingbirds Have Alibis .

anos 2000 e 2010

Weekend Festival , um evento de música eletrônica em Pärnu , Estônia , em 2016

À medida que a tecnologia de computador se tornou mais acessível e o software de música avançou, agora é possível interagir com a tecnologia de produção musical usando meios que não têm relação com as práticas tradicionais de performance musical : por exemplo, performance em laptop ( laptronica ), codificação ao vivo e Algorave . Em geral, o termo Live PA refere-se a qualquer apresentação ao vivo de música eletrônica, seja com laptops, sintetizadores ou outros dispositivos.

Começando por volta do ano 2000, alguns ambientes de estúdio virtual baseados em software surgiram, com produtos como Reason da Propellerhead e Ableton Live encontrando apelo popular. Essas ferramentas fornecem alternativas viáveis ​​e econômicas aos estúdios de produção típicos baseados em hardware e, graças aos avanços na tecnologia de microprocessadores , agora é possível criar música de alta qualidade usando pouco mais que um único laptop. Tais avanços democratizaram a criação musical, levando a um aumento maciço na quantidade de música eletrônica produzida em casa disponível ao público em geral via internet. Instrumentos baseados em software e unidades de efeito (os chamados "plugins") podem ser incorporados em um estúdio baseado em computador usando a plataforma VST. Alguns desses instrumentos são réplicas mais ou menos exatas do hardware existente (como o Roland D-50, ARP Odyssey, Yamaha DX7 ou Korg M1). Em muitos casos, esses instrumentos baseados em software são sonoramente indistinguíveis de suas contrapartes físicas.

Curvatura do circuito

A dobra de circuito é a modificação de brinquedos e sintetizadores movidos a bateria para criar novos efeitos sonoros não intencionais. Foi iniciado por Reed Ghazala na década de 1960 e Reed cunhou o nome "circuit bending" em 1992.

Reavivamento de sintetizadores modulares

Seguindo a cultura de flexão de circuito, os músicos também começaram a construir seus próprios sintetizadores modulares, causando um interesse renovado nos projetos do início dos anos 1960. Eurorack tornou-se um sistema popular.

Veja também

Música eletrônica ao vivo

Notas de rodapé

Fontes

Leitura adicional